productions

Depuis 2005, les palestiniens ont lancé la campagne BDS Boycott Désinvestissement Sanctions pour mettre fin à la colonisation, à l’occupation, à l’apartheid, et obtenir le retour des réfugié•es palestinien•nes. Cette campagne se décline dans tous les domaines, économique, politique et diplomatiques. La campagne progresse bien niveau économique mais butte dans les domaines sportifs, académiques et culturels. Alors, à l’heure où l’on assiste à un génocide à Gaza et au nettoyage ethnique de la Cisjordanie, il semble nécessaire de désacraliser la culture et de la réancrer dans un espace temps pour questionner les conditions matérielles dans lesquelles elle existe. L’Etat colonial israélien a bien compris comment utiliser le sport, la culture, le tourisme et les universités et en a fait une arme de soft power redoutable, pour changer son image guerrière et attirer touristes et artistes… Nous proposons d’éclaircir ces enjeux et proposer des pistes d’actions concrètes d’actions pour le boycott culturel en explicitant le cadre posé par le Palestinian Academic Campaign for Cultural Boycott of Israël (PACBI).

Là où la témérité est jonchée de bijoux, le latex est couvert de poésie et où la furie s’écrit jaune sur noir. Cabaret Furieuse tisse des liens entre l’intime des artistes de cabaret et leur vie sur scène. Il prétend faire se rencontrer poésie, danse, strip-tease, chant, pole-dance, musique live, plasticité et drag sous couvert du politique et de l’“anti-cabaret”. Cabaret Furieuse est singulier par sa création : il né de l’envie et de la curiosité de découvrir ce qu’il se passe si les artistes sont désacralisés et leurs moyens de création soutenus, mais il né aussi surtout du prétextes d’être ensemble, en loges et sur scène. Ce spectacle provient des rêves des artistes mais aussi de leur colère. Il se demande si le cabaret est seulement un spectacle, seulement une performance. Alors, ici, ce cabaret se performe, les artistes font semblant de jouer et ont comme moteur l’honnêteté. On se costume pour dire que ça ne va pas, on se montre pour dire que c’est un prétexte et qu’on a besoin de continuer à être ensemble et que nous serons toujours là demain. Cabaret Furieuse fait référence aux arts du cabaret et aux identités qu’il abrite mais tutoie aussi l’art contemporain et le théâtre en questionnant, avec un sourire en coin, ce qui différencie réellement ces milieux. Avec Maison Furieuse, Mona LaDoll veut organiser une résistance cabarettiste, elle veut nourrir en créant, calmer la colère ou en faire un cadeau, et retrouver la résilience pour les marges dont est issu l’art cabarettiste… Au plateau : Mona LaDoll, Michelle Tshibola, Grand Gaillard, Babe Alone Accompagnement à la mise en scène et direction artistique : Mona LaDoll Creation musicale et sonore : Louise Bsx Production : Maison Furieuse

collégiienne =D : une comédie-dramatique en perdition dans l’internet des années 2005. Quand elle termine son bol de céréales et s’est débarrassée de son petit frère, Zoé peut enfin raconter sur son blog son Midi 2 Ouf au McDo !!! Dans l’obscurité, à la lueur de l’ordinateur familial, alors que les gifs cœurs clignotent, les moqueries proviennent de celles qu’on croyait être nos copines. Zoé aimerait disparaitre. La colline de son fond d’écran comme seul futur désirable. Participent à la pièce : Mélodie Preux ( textes, vidéos, interprêtation ) Solène Celse ( co-mise en scène )

Il s’agit d’une prière sonore, commencée et pratiquée sous différentes formes depuis 3 ans. C’est une recherche artistique et spirituelle autour de la portée transformatrice de l’expression publique du deuil et du chagrin. Une réactualisation du travail et de la fonction sociale des pleureuses traditionnelles. Crymetrics IV, or Laments for our wretched est une pratique performative à la fois afrofuturiste et traditionnelle où le corps endeuillé devient le vaisseau d’un choeur désincarné et l’instrument de composition de chagrins intemporels. C’est une invitation à faire face à la perte et à honorer, en commun, les vies humaines et non humaines que le monde capitaliste et colonial s’autorise à sacrifier. (Cette proposition fait suite à l’annulation du projet initial - Cytokinèse avec Aez et Iris Pinay - par l’artiste lui même. En réponse à des difficultés de collaboration et au contexte géopolitique actuel)

Cytokinèse (titre provisoire) est une fiction biographique qui met en scène deux adelphes presque jumelles, deux frères - queer, trans, artistes - dont la similarité questionne les contours de leur subjectivité propre. Dans cette expérience de la gémellité échouée où l’autre, si semblable à soi, est à la fois un miroir, une part de soi et une menace. De ce duo qui oscille entre tendresse, fusion cannibale et rivalités fratricides, des entités tierces émergent de la matière. Ce spectacle chorégraphique s’inspire de matériaux biographiques mêlés à l’exploration des mythologies gémellaires (européennes et subsaharienne), à l’étude de phénomènes biologiques de cytokinèse* et des théories d’enchevêtrement cantique (K.Barad).

Dildo’s Laments – Cérémonie pour un mirage est un seul·e en scène mêlant performance et musique contemporaine. Convoquant sa propre expérience, Hélio Volana interroge les mécanismes qui, dans une société patriarcale et majoritairement blanche, assignent les corps perçus comme racisés et queer à des positions ultra-sexualisées ou, à l’inverse, menaçantes. Hélio y déambule parmi les vestiges d’un sanctuaire en ruine. Bercé·e par les lamentations d’un chœur de dildos dont les vibrations font rentrer en résonance les cymbales et les membranes de percussion ; Hélio incarne tour à tour une série de figures archétypales dans une cérémonie profondément camp. Cette présentation en avant-première est une étape de travail avant une dernière résidence de création lumière et de dramaturgie. La création de la pièce aura lieu le 21 novembre au Générateur (Gentilly, France). Distribution: HELIO VOLANA conception, mise en scène, composition, interprétation, scénographie IRIS THERASSE compositrice associée ANTONIJA LIVINGSTONE regard extérieur HENRIQUE OLIVEIRA CARDOSO création costumes MAUREEN BÉGUIN création lumière WILLOW KOHN BISSECK assistant chorégraphique (danse sexy) MARIE DOS SANTOS collaboration scénographique PRODUCTION DÉLÉGUÉE: La Muse en Circuit Ce projet est lauréat 2024 du Fonds régional pour les talents émergents (FoRTE), financé par la Région Île-de-France. Avec le soutien de : La Muse en Circuit (Alfortville), Les Instants Chavirés (Montreuil), La Ménagerie de Verre (Paris), Le Générateur (Gentilly), Théatre de Vanves (Vanves), Actoral (Marseille).

31 octobre 2025 - 15h-18h (durée: 3h) - au théâtre des Clochards Célestes Atelier d’écriture animé par Pio du Camion L’Amour Toujours L’avenir du présent nous parait sombre, les portes de sorties semblent étroites et tout nous pousse vers les dystopies les plus dures… Pourtant, nos identités, solidarités et férocités queers nous ouvrent des horizons gigantesques vers d’autres possibles, d’autres modèles de vies et de sociétés. On vous propose d’explorer ça ensemble pendant l’atelier à travers des petits jeux et temps plus longs d’écriture, accompagné.es des récits de SF queer-féministes du camion-bibliothèque, pas besoin de “savoir” écrire.

Living Room est un temps et un espace de calme et de confort. Ce sera ouvert de 11h à 20h45 dans la salle du Théâtre de L’Élysée. Il y aura des matelas et des coussins, des livres à consulter, des lumières indirectes, des bouchons d’oreille, des masques, des boissons chaudes et fraiches. On va chuchoter. Tout le monde sera en chaussettes. L’espace sera aéré toutes les heures. Les enfants sont bienvenu.e.s. Au programme: 12h30-14h: espace ouvert pour du répit du repos et du silence ❤️ 14h: petite polyphonie un peu planante 15h: lecture : Les pédales et leurs ami.e.s entre les révolutions” de Larry Mitchell et Ned Asta, lu par Maudie CC et George Cizeron 16h-18h: set d’ambiant de chaos clay 18h15-20h30: projection de films et courts métrages curatés par Transgaze Apportez les objets qui vous mettent confortable (votre coussin, votre couverture, votre bouquin, etc). Il y aura un petit autel sur lequel déposer un petit objet qui vous fait penser aux personnes que vous aimez et qui vous manquent. L’entrée et la sortie sont libres.

26 octobre 2025 - De 11h à 12h30: atelier, puis de 14h à 14h30: petite restitution durant le Living Room. Pendant la pause vous pouvez profiter du brunch à prix libre et du Living Room. En mixité TPBG, tous niveaux, aucune technique particulière n’est demandée, à part d’avoir envie de chanter et d’être ensemble. Ornements ❤️ est un atelier de pratiques de la polyphonie à partir d’improvisations vocales. On va résonner ensemble, mais aussi chanter avec et pour les personnes qu’on aime et qui nous manquent. Si vous le pouvez, apportez quelque chose qui fait penser à elle.ux, un petit autel sera à disposition. A 14h, nous ferons une petite restitution publique sous la forme d’une pratique d’improvisation (très simple mais évidemment pas obligatoire).

Que La Machine vive en moi est une plongée dans le laboratoire perpétuel du Groupe Scalpel alliant performance d’écriture, rire-tragique, bio-ingénierie, et interface humain-machine. Quatre « cyborgs transféministes » – une écrivaine, un·e roboticien·ne, une performeuse et une IA – tentent de coopérer pour créer en live un film et sa musique. Les écrans des créateurices sont vidéoprojetés afin que le public puisse suivre leurs avancées qu’elles commentent en direct. Tout au long de cette performance imaginée par l’écrivaine / performeuse Romane Nicolas, les humaines échangent et performent autour des rapports humains / non-humains, normes / a-normes dont elles sont victimes au quotidien, mais aussi de la puissante cyborgisation de leurs corps. Par sa nature expérimentale et le rapport aux IA, chaque représentation est radicalement différente.

24 octobre 2025 - 18h-20h (durée: 2h) - lieu à confirmer L’atelier est à prix libre, en mixité personnes queer racisées. Hey Lyon, je t’invite à un atelier d’initiation à la danse sensuelle, un espace pour explorer ton corps, ton rythme et ton flow, qu’il soit fem, masc ou NB. On jouera avec les langages du lap dance, du floorwork, du strip tease et un soupçon d’improvisation que tu pourras pimenter à ta manière. Pas besoin d’expérience : c’est un espace d’exploration ouvert à tou·te·s, beginner friendly et bienveillant. Après un échauffement centré sur le bassin et le twerk, je te guiderai à travers une routine sensuelle que tu pourras transformer, subvertir et personnaliser avec ton énergie, ton style et ton imaginaire. Nous explorerons l’art du teasing : offrir et recevoir, jouer avec le regard, dévoiler certaines parties du corps et en garder d’autres secrètes. Sentir ce que cela provoque, et choisir quand et comment y répondre. Prends des vêtements dans lesquels tu te sens confortable et sexy, prêts à se déboutonner, se glisser, et se révéler. Pour plus de confort, prends des knee-pads (genouillières) si tu en as.

Thank God I’m Not Straight est un spectacle multidisciplinaire, une plongée dans les textes sacrés, relus à travers les yeux et les corps queer. Inspiré de l’allégorie du mystère de la transformation de la chenille qui se digère elle-même de l’intérieur. La chrysalide est un réceptacle vivant de la résilience. Le choix implicite que beaucoup d’entre nous sont contraints de faire entre notre foi et/ou notre identité queer : pouvons-nous les faire coexister en nous ou faut-il renoncer à l’un pour donner vie à l’autre. Cette œuvre traite de la façon dont quelque chose d’essentiel à la vie peut également nous détruire et nous dévorer de l’intérieur. là où ce qui nourrit peut aussi consumer, là où ce qui détruit ouvre aussi la voie à la transfiguration.

Cette année les séances de projections du FACT sont curatées par l’équipe du festival Trans Gaze. Trans Gaze est un festival marseillais qui dédie une semaine de programmation à la visibilité trans, axé sur les productions cinématographique mais pas que ! Les deux séances du samedi et du dimanche seront différentes.

Il était une fois une princesse tout de rose vêtue qui vola le feu, s’enfuit des Enfers et lutta contre une malédiction qui la poursuivait et lui enlevait ses souvenirs. Conte contemporain, Voler Le Feu raconte, sous une forme universelle et sensible, le récit intime d’une vie après une transition de genre, comme une aurore après une longue nuit dont on ne croyait jamais sortir. Pour sa deuxième création, Jenny Victoire Charreton invite Daphnée Demaison avec qui elle va tisser, à quatre mains, les mots de la poétèsse Luz Volckmann, créations plastiques de Mag Lévêque, marionnettes, témoignages, signes et musique live pour créer une performance multimédia autour des vécus transféminins. Elles réclament, ensemble, cette terre collective qu’est l’imaginaire des contes pour raconter leurs histoires, et s’en servent pour imaginer un avenir.